ピクサーのスゴさの秘密

「レミーのおいしいレストラン」がＣＧアニメーションとしてヒットしつづけているのはなぜか。

今回はＣＧアニメーションに焦点を絞って考えてみよう。

そもそも、ピクサー作品のＣＧアニメーションがスゴいというときの「スゴさ」とは何だろう？

ピクサーはこれまで、ＣＧでは難しいとされる対象をあえて描いてきた。毛におおわれた生き物、水。

そして「レミーのおいしいレストラン」では料理を題材に描いた。だからスゴいといえば全くそのとおりなのだが、実はもっと重要な点をうまくやりとげている。

重要な点とは「人間」である。

高度なＣＧアニメーション技術があるからといってすぐに人間を登場させなかったことが重要であり、成功の要因だ。

たいていのＣＧアニメーション作品の場合、はじめから人間を登場させて「ＣＧアニメーションの底無し沼」にハマってしまう。

人間をＣＧで描く意味と必要という名の沼にハマると、抜け出そうともがけばもがくほど深く沈んでいく。スクエア(現スクエアエニックス)が映画「ファイナルファンタジー」深い底まで落ちて浮かんでこれなかったようにである。

ところがピクサーの初期作品は人間以外を主人公にして、必要ならば人間も少し登場させてきた。そして徐々にスーパーヒーローや料理人へと、ＣＧアニメーションで登場させるキャラクターにおける人間の比率を増やしてきたのだ。

さらに最新作「レミーのおいしいレストラン」でさえ、主人公はねずみのレミーと人間のリングイニのふたりだ。まだ人間だけが主人公とまでにはしていない。

これがピクサーのうまいところである。

モンスターやおもちゃや魚を主人公にして「人間」を描きつつ「レミーのおいしいレストラン」では、さりげな～く主人公のひとりを人間にしている。

こうして、例の沼にハマることなく、人間をサラっと主人公にできているのだ。

ハマるとわかっている沼は避けてとおる。

あたりまえといえばそれまでのことを確実に行ってきた。それができるスゴさがピクサーにはあるということだ。

▼映画「レミーのおいしいレストラン（RATATOUILLE）」 作品レビュー

さて「ベクシル」はチャレンジ精神にあふれる作品だが、やはりこれも人間の顔をどのように表現するかで苦悩している様子がうかがえる。

技術的にはリアルな顔にすることができるのだが、あえて２Ｄちっくな、いうなれば従来のアニメちっくな「絵」に近いものとしている。

「ＣＧアニメーションの底無し沼」があることはわかっているのだから、あえて無視するかのような態度もとってみるという、いい意味でのいやらしさ、もときには必要だ。

「ベクシル」は真面目に頑張っているのでぜひとも応援したいが、真面目におちゃらけてみるのもどうだろうか。新しい発見があるかもしれないゾ。

▼映画「ベクシル」作品レビュー

レミーのおいしい作品づくりの秘密

ピクサーがなぜヒット作品を出しつづけることができるのか。

その理由のひとつは、徹底したストーリーづくりにあります。

ピクサーでは、ひとつの作品について２年をストリーづくりに費やすそうです。

ＣＧ技術の高さが目立ちがちなピクサーですが、ただのＣＧ職人の集団ではありません。

物語をつくる工房、のようなところといったらいいのでしょうか。

物語ありきで、それに最適なＣＧ技術を使う。

だから、ピクサー作品の質は高く、ヒットを続けているのですね。

では具体的にどういったところが上手なのか。ストーリーづくりにおいてどういったところがしっかりしているのでしょうか。

■　人間と動物の関係

ピクサー作品の多くは、人間以外の生き物やモノが主人公であることが多いですね。

おもちゃの人形。モンスター。魚。車。

人間以外が主人公の作品にも、人間が登場することがあります。

しかし、登場する人間は子どもだけだったり、大人は声だけだったり、大人の体の一部がチラッと映るだけだったりします。

これは意図してそうしているのでしょう。

主人公を中心とした世界を軸に物語を展開する場合、異質な世界はあくまで異質のままにしておく必要があります。

これには、物語世界の雰囲気の統一感を保つ目的があるとともに、観客の視点を主人公の世界につなぎとめておく役割もあるためです。

「ファインティング・ニモ」にも人間が登場しますが、それはニモが父親と再会する障害（オブスタクル）のひとつの役割しか持たせていません。人間の内面には踏み込んでいないのです。

それは魚のニモの物語だからです。ニモが父親と再会するための物語だからです。

だから、人間の内面を描く必要はないのです。

これまでのピクサー作品の基本では、どちらかの世界を中心に描きはじめたら、もう一方の異質な世界へは深く入り込みませんでした。

魚の世界を描いたら、人間の世界に深く入り込まない。

おもちゃの人形の世界を描いたら、人間の世界に深く入り込まない。

しかし、表面的には人間の世界を描いていないようで、作品を見終わってみると、それはけっして魚だけの世界でもなく、おもちゃの人形だけでなく、まさに人間の世界を描いていることに気づく、という仕掛けになっています。

「人間以外の生き物やモノを主人公に描きながら作品としては人間を描く」というスゴ技を披露してきたのがピクサー作品だというわけです。

■　ふたりの事情と内面

さて「レミーのおいしいレストラン」では、ねずみのレミーと、人間のリングイニのふたりの事情と内面が描かれます。

これはスゴいことです。

物語世界の統一感を保ちつつ、観客の視点を「ねずみ世界」と「人間世界」との間をブラブラと浮遊させることなく、共に自然にリンクさせている。

これをサラッとやっているところが、ほんとうにスゴい！

こんなスゴ技ができるのは、やはり　「魔法の鏡」職人（作家）ブラッド・バードだからなのでしょう。

「Mr.インクレディブル（THE INCREDIBLES）」を作るために、外部から招き入れられた新しい監督、それがブラッド・バードです。

皆さんご存知のように「Mr.インクレディブル（THE INCREDIBLES）」はそれまでのピクサー作品とはちょっと雰囲気が違います。まず、人間が主人公です。厳密にはスーパーヒーローですが、基本は人間です。

そして「Mr.インクレディブル（THE INCREDIBLES）」のアクション描写もどちらかというと過激なほうで、上映時間も過去最長です。

そんなブラッド・バード監督は「レミーのおいしいレストラン」で作品づくりでは明確に分けられるふたつの世界（ねずみ世界と人間世界）を同時に描くというスゴ技を披露してみせたのです。

お・そ・る・べ・し。ブラッド・バード監督。

■　異なる世界を同時に描く方法

では、どうやってふたつの異なる世界を同時に描くことができたのでしょうか。

その鍵は「レミーのしゃべり」と「動き」にあります。

レミーはねずみ世界ではしゃべります。でも、レミーは人間世界ではしゃべりません。

レミーは人間の言うことを理解しますが、人間の言葉はしゃべらないのです。

さらにレミーは四本足でも二本足でも歩きます。ねずみらしい動き（四本足歩行）をすると同時に、ねずみらしくない動き（二本足歩行）もします。

このようにレミーの「しゃべり」と「動き」は、双方の世界の中間にあります。双方の世界の橋渡しができる位置にあるのです。

■　エッジに立つ新ヒーロー

橋渡しができる位置で活動するためには、自身が所属する集団や共同体の「エッジ（ふち。へり。端）」にいる必要があります。

レミーはその優れた臭覚によって食べ物の良し悪しを判定する重要な役割を持っていました。それに父親はねずみのリーダーです。

ねずみだけど、ねずみ界のサラブレッド。ねずみ界の王子みたいなものです。

自分たちを危険な目にあわせる人間と関わるなんて考えられない。人間は敵だとあらためて教えられるレミーですが、それでも良い人間だっている！　とリングイニと協力して料理を作ります。

共同体の中心にいながら、エッジに立ち、敵対するふたつの世界の橋渡しをする。

ほら、聖書の出エジプト記のモーゼだって、エジプト王子として育てられましたが、リーダーとしてイスラエルの民と共に約束の地・カナンへ旅立ったのと似ていますね。

これは偶然ではなく、当然のようにキリスト教文化を物語づくりの要素として研究して活かしているからでしょう。

なにはともあれ、レミーは新時代のヒーロー像なのですね。

「Mr.インクレディブル（THE INCREDIBLES）」でそのものズバリのスーパーヒーローを描いた監督が、今度は料理を題材にヒーローを描いたのです。

▼「レミーのおいしいレストラン（RATATOUILLE）」作品レビュー

▼「Mr.インクレディブル（THE INCREDIBLES）」作品レビュー

▼関連記事「レミー、実はしゃべる」

レミー、実はしゃべる

ピクサー作品「レミーのおいしいレストラン」。

ねずみのレミーは、従来のディズニー作品のキャラクターの多くが二足歩行するのとは違い、ほんとうのねずみと同じように動きます。

けれども、実は二足歩行もします。

なぜ二足歩行をするかを、レミー自身が他のねずみに説明するシーンがあります。

前足を清潔にすることで食べ物をおいしく安全に食べるためだというのです。また、手に入れた食料を清潔に運ぶこともできるから。

二足歩行にはちゃんと理由がある。食料を清潔に保ち、おいしいものを食べたいという願いをもったねずみというキャラクター設定をしっかりしたものにする役割がそこには込められているんですね。

さて、レミー自身が他のねずみに説明するということは、レミーは実はしゃべれるんです。

でもそれは同じねずみ同士の場合だけです。

レミーは人間の言葉を理解するけれど、人間の言葉を話すことことはできません。

このあたりの絶妙なさじ加減が、レミーのおかれた状況を的確に観客に知らせることを可能にしています。

登場キャラクターが人間と動物の両方いる場合は、動物はしゃべらない設定にするんだけれども、動物同士（ねずみ同士）はあたりまえにしゃべる。

そうすると観客は、ねずみ社会の事情もわかる一方で、人間（リングイニ）の事情もわかる。

双方の事情がわかるのは観客のみ。

すべて知っているからこそハラハラドキドキする。

その設定が巧みなんですね。

おもいっきりのよさのある「ダイ・ハード4.0」

ダイ・ハードシリーズはすべて観ているハズ。

「１」はビル。「２」は空港。「３」はニューヨークだったよね？

なかでもやはり「１」が一番印象に残っている。日本人経営ビルの社長らしき日本人だけが頭を吹っ飛ばされたから。派手な血が飛び散っていたよ。悪役だって頭は吹っ飛ばされなかったのにねぇ。

それを観たとき、アメリカ人のなかには日本人嫌いってけっこういるのね、と思ったように記憶している。

「１」なんて今観るとブルース・ウィルスが若い。当たり前か。髪の毛もけっこうあって、あんた誰？　って思うぐらい。

それにしてもここ数年で殺し屋役がこれ以上ないほどハマリ役になったブルース・ウィルス。たとえ殺し屋じゃなくても、ワルっぽいけど善役というダークヒーローが似合う俳優といったら彼というまでになった。

そんなダークヒーローのブルース・ウィルスの魅力を堪能できるのがコレだ。

「１６ブロック（16BLOCKS）」作品レビュー

話を「ダイ・ハード4.0」に戻そう。

観客がダイ・ハードシリーズに求めるもの。それは派手なアクション。それだけだ。

それをよぉくわかっているのだろう。「ダイ・ハード4.0」はひたすらアクションの連続だ。

主人公のキャラクター設定はもぉじゅうぶんすぎるほどできている。やることといえばアクションしかない。

だから悪玉キャラも、アクションのためのお約束にすぎないのでシンプルだ。無駄に悪役を凝らない。無駄に人間ドラマを作ろうとしない。

アクション、アクション、アクション。

ここまで割り切っていれば、おもいっきりのよさというもの。

「ダイ・ハード4.0」のなかのアクションシーンひとつを目玉にして、他のアクション作品が作れてしまう。そんな派手なアクションシーンがいくつも続く。

これを独壇場というのだろう。金のかかる派手なアクションと撮らせたらハリウッドにかなうところは到底ないと思わせるのに、これ以上の作品はない。

ジャッキー・チェンの娯楽アクション作品はそれなりにいいが、気合を入れて撮ったアクションシーンをカメラワークを変えたり、ストップモーションにしたりして、何度も「巻き戻し再生」みたくしている作品があったと思う。

どうだ、すごいアクションシーンだろう？　といわんばかりである。

スタント無しはたしかにスゴいが、それはまれるで友人宅に遊びに行ったときに、ホームビデオカメラで撮った友人の息子・娘の幼稚園の運動会映像を３０分以上観させられるようなものである。

５分なら笑顔で付き合えるが、１０分以上は家族や親族でもないかぎり、ハッキリいって誰だって辛いだろう。

そういった「どうだすごいだろう」的な編集を「ダイ・ハード4.0」はやっていない。

金があるがゆえの余裕ともいえる、おいしいところをスキップで軽快に飛ばしていく編集には、爽快感さえある。

どんな作品も、作り手側の自意識が出てしまっては観客はゲンナリする。

自意識との戦い。それが作品づくりの基本だ。

そんな視点から「ダイ・ハード4.0」を観ると、すがすがしくおもいっきりのいい作品、ということができる。

頭をカラッポにしてアクションを存分に楽しむ。そういう作品にはなかなか出会えるものではないのだから、こういうときは素直に楽しんだほうがいい。

とはいっても、見終わったら何も残らないのはご承知のほどを。

ちなみに私は、アクション映画なら「アポカリプト」のほうをおすすめする。

▼「アポカリプト（APOCALYPTO）」作品レビュー

ダイ・ハード ブルース・ウィリス ジョン・マクティアナン ボニー・ベデリア by G-Tools

16ブロック ブルース・ウィリス リチャード・ドナー モス・デフ ソニー・ピクチャーズエンタテインメント 2007-06-27 by G-Tools

「パイレーツ ワールド・エンド」宝箱は開けないほうがいいの意味

「パイレーツ・オブ・カリビアン/ワールド・エンド」作品レビューで、宝箱は開けないほうがいい、という話をしました。

▼▼「パイレーツ・オブ・カリビアン/ワールド・エンド」作品レビュー

そのあたりについてもう少し掘り下げてみましょう。

まず「パイレーツ・オブ・カリビアン/ワールド・エンド」を、ＣＧアニメにして宝箱を閉じたままにすれば良かったのでしょうか？

ジョニー・デップという実在の俳優がジャック・スパロウを演じないほうがよかったのでしょうか？

できれば実在の俳優さんではなくＣＧやアニメーションのほうがいいと思います。

でも、ジョニー・デップ以上にうまくジャック・スパロウを演じれる俳優さんはなかなかいないと思いますヨ。

というか、ジョニー・デップが良過ぎるんですね。キャラクターの魅力を開花させる才能に溢れた俳優さんであるがゆえに、他のキャラクターのみならず、物語自体をも飛び越えちゃうみたいな。

それは俳優さんがいけないのではなくて、脚本家や演出家や監督などがうまく舵取りをしていくべきなのですが「ワールド・エンド」ではジャック・スパロウというキャラクターに「ワル乗り」しちゃったようにおもいます。

まぁ、作ればヒット間違いなしという状況では、多少遊んでもいいかな、ぐらいの感覚でいたのが、いつの間にか観客との距離がどんどん開いて行ったのかな、と推測できます。

いい映画＝ヒット作とするならば、ジョニー・デップ出演の実写映画でいいと思います。ただ、キャラクターの脳内世界をあのような形で披露した意味が「ワル乗り」以外に見当たらないのが残念ですが……。

いい映画＝心を揺さぶる、感動作とするならば、ＣＧでもアニメでも実写でもなんでもいいとおもいます。ただ、ディズニーリゾートの雰囲気に合うようにするなら、ＣＧやアニメのほうが良いと思います。

ですがディズニーアニメは最近イマイチなようで、アニメだけでなく、積極的に実写映画の製作にも取り組んでいるようです。

「ホーンテッドマンション」（2003年）

「ナショナル・トレジャー」（2004年）

「ナルニア国物語/第1章:ライオンと魔女」（2005年）

それにフジテレビ製作の『南極物語』のリメイク作品「南極物語 EightBelow」なんかも手がけてますね。

おそらくディズニー的にはアニメーションだけでなく、実写でもヒットの実績をガンガン作っていきたい（ＣＧはピクサーの独壇場だし。それにピクサーはもうディズニーだから）その願いが見事に実ったのがパイレーツ・オブ・カリビアンシリーズというわけで、うれしくって☆つい遊び過ぎちゃったのかもしれませんね。

いい作品＝感動作ということでは「リロ・アンド・スティッチ Lilo & Stitch」が参考になります。

▼「リロ・アンド・スティッチ Lilo & Stitch」作品レビュー

スティッチは宇宙のならず者・おたずね者です。宇宙の海賊といってもいいですね。

一匹狼。アウトロー。ワルモノ。

でもスティッチは大人気です。私もスティッチのストラップやぬいぐるみならほしいくらいです（笑）。

海賊（ワルモノ）だからダメということはなく、たとえワルモノとされるキャラクターであっても、他のキャラクターとの出会いを通して変化していく、その物語の過程で感情移入してもらえれば、いい作品になるのではないでしょうか。

スティッチはしゃべりません。もちろんスティッチの脳内世界も映像化されません。でも、観客はいつしかスティッチの気持ちが手に取るようにわかるような気がしてくる。

「スティッチの気持ち」という宝箱は、観客がいつの間にか開けている。

制作者側が宝箱を開けてみせるのではなく、観客がいつの間にか宝箱を開けているのがいい。

それが「宝箱は開けないほうがいい」の意味です。

いかがでしたか？　

ジャック・スパロウというキャラクターの人気の秘密は「ダメ親父」じゃないかなと思います。

ハードディスクレコーダーでテレビ番組の予約操作ができない親父。

燃えるゴミと燃えないゴミの区別がつかない親父。

ブロッコリーを買ってきてと頼むと、カリフラワーを買ってくる親父。

休みの日はパチンコ以外にすることがないように見える父親。

そんな頼りないと思えるダメ親父でも、いざ家族旅行となったら渋滞の高速道路で皆が寝ているなか、ひとりハンドルを握りつづけるその後姿に、ふと頼もしさを感じたりもする。

ジャック・スパロウもいつもはラム酒に酔っ払っているようで、剣術はけっこう達者で、ちょいと機転をきかせてウィルターナーとふたりで出港準備を済ませた船をまんまといただいちゃう（第１作より）。

ほんといいかげんで、なにを考えているんだかわからない奴なんだけど、ほんとうはちゃぁんと考えていて、いざとなったら頼もしい。

そんな「愛すべきダメ親父」の片鱗をジャック・スパロウに垣間見た観客は、彼に頼もしさを感じるのです。

ところが第３作では「愛すべきダメ親父」であろうと確信していた観客の期待を裏切り、ただのいきあたりばったりのおかしな奴、というキャラクターにしてしまった。すくなくともそう見えてしまう。

あぁ、なんともったいないことか！

もったいないお化けが出る象（ぱおぉ～ん）←もうヤケクソ^^;

レミーのおいしいキャラクター設定

ピクサーの最新作「レミーのおいしいレストラン」の予告編はもう観ましたか？

７月２８日公開予定なので、そろそろ予告編のバージョンも増えてきて、いろんな映画館で目にすることも多くなってきたでしょう。

「レミーのおいしいレストラン」の監督はブラッド・バード。「Mr.インクレディブル」や「アイアン・ジャイアント」の監督です。

実は「Mr.インクレディブル」は、すごい風刺作品です。なんの風刺か？

いうまでもなくアメリカ合衆国の風刺です。しかも風刺といわれなければ、そうとは気づかないで、お気楽エンタテイメント作品として観ることでもできます。

「アイアン・ジャイアント」もそうですが、子供向け作品のようでありながら、風刺作品でもある。だから大人が観てもおもしろい。

子供も大人も楽しめる作品を撮る監督、それがブラッド・バードなんですね。

彼は「Mr.インクレディブル」を撮るために外部からピクサーにやってきました。

「Mr.インクレディブル」はピクサーにとって記念すべき作品です。

なぜなら「Mr.インクレディブル」はピクサー初の人間（スーパー・ヒーロー）が主人公の作品だからです。

「Mr.インクレディブル」以前のピクサー作品はモンスターや魚などが主人公でした。

だから「Mr.インクレディブル」はそれまでのピクサー作品とはちょっと雰囲気が違います。アクション描写もどちらかというと過激なほう。上映時間も過去最長です。

そんな監督のことだから「レミーのおいしいレストラン」も、子供向け限定のお料理作品じゃないことは容易に想像できます。

さて「レミーのおいしいレストラン」について、ひとつおもしろいことがわかりました。

それは、ねずみのレミーの設定です。

レミーは食べ物にたいへん興味を持っていて、愛読書は天才シェフ著の「誰でも名シェフ」です。

でも「ねずみ」なんですね。ここまでは皆さんもご存知でしょう。

今回のポイントは、レミーのデザインです。

当初、レミーは二本足で立って歩く設定だった。けれども「ネズミを人間のように描くのは間違い」として設定を変更したそうです。

ディズニーの動物キャラクターの多くは二足歩行です。ミッキやミニーが四つん這いでディズニーリゾート内を動き回っていたらどう？

ちょっとホラーちっくかもしれないですね^^;

だからディズニーのキャラクターの多くは二足歩行。つまり人間のように描かれることが多いんですね。

ところがレミーはちゃんとねずみっぽい動きをする。というかねずみと同じように動きます（予告編を観るかぎりいわゆるねずみの動きをする）。

さすがピクサーの異端児（←勝手に異端児扱い^^;）ブラッド・バード監督。

新しい風を受け入れ、日々おもしいものを作ろうとするピクサーの社風も感じます。

そしてもうひとつ、レミーの設定でおもしろいことがあります。

レミーは人間の言語を理解するけれども、話すことはできません。

これはたいへん興味深いですね。

ねずみがベラベラしゃべったら、ちょっと雰囲気が違ってきます。

まるでドリームワークスの「シュレックシリーズ」みたいになっちゃうでしょう。

しゃべる動物キャラというのも魅力的ですが、観客の心の中で作られるキャラクターというのは、なるべく内面を見せないほうがいいんです。

登場キャラクターが人間の場合は、しゃべらないわけにはいかないので、キャラクターの内語（思っていること。漫画でいうところの点線のフキダシ）やナレーションをなるべく使わずに、観客にキャラクターの心情を想像してもらう工夫をします。

登場キャラクターが動物だけの場合は、人間の言葉をしゃべります。

でも登場キャラクターが人間と動物の両方いる場合は、動物はしゃべらない設定にします。

すると、観客は動物の心情を推測しようとします。

観客が動物キャラクターの心情を想像できるようになれば、愛されるキャラクターの確立となります。

ブラッド・バード監督は、どうしたら観客に受け入れられるキャラクターをつくりあげることができるかを、ちゃんと考えているんですね。

だからレミーは人間の言語を理解するけれども、話すことはできないのです。

このあたりの基本事項をあえて外しているのがドリームワークスのシュレックシリーズですね。

基本事項さえわかっていれば、それを守ろうとも破ろうとも、意図的にできるわけです。

なんとなく動物キャラがしゃべるとか、なんとなく動物だからしゃべらないとか、そういうことではダメなんですね。

ちゃぁんとわかっててやってる。それが大事です。

▼「Mr.インクレディブル（THE INCREDIBLES）」作品レビュー

ポール・ヴァーホーヴェン監督の力作！

「ブラックブック（ZWARTBOEK/BLACK BOOK）」

第二次世界大戦ナチス・ドイツ占領下のオランダを舞台として、家族をナチスに殺されたユダヤ人女性歌手の復讐を描く作品。

「インビジブル（2000)」「スターシップ・トゥルーパーズ（1997）」のポール・ヴァーホーヴェン監督作品だ。

オランダ/ドイツ/イギリス/ベルギーが制作とのことで、かなりの制作費がかかったとおもわれる気合の入った作品となっている。

戦時下の過酷な状況を舞台とした作品では、主人公のサバイバルが焦点となっている場合が多い。生き延びるだけでも奇跡であった当時の状況下を描いた作品に「戦場のピアニスト」や「シンドラーのリスト」や「トンネル」などがある。

▼「戦場のピアニスト（THE PIANIST）」作品レビュー

「ブラックブック」はもちろんサバイバルが基本だが、さらに家族ナチスに殺されたユダヤ人女性歌手が復讐のためにナチスの将校に近づくのだ。

オランダのレジスタンスを中心にユダヤ人女性を描いた本作品は、息をつかせぬ展開とペースで上映時間144分という長さをまったく感じさせない。

たとえば「これは観なければならないものだ」といわれると、作品のつくりはどうあれ、姿勢を正してちゃんと観なければならないもの、という捉え方をしてしまいがちだ。

だから作り手のほうも、観てもらうために必要なことがじゅうぶんでないまま作品を完成させてしまうことがある。ほんとうに多くの人々に観てもらいたい、伝えたいメッセージを持っていればいるものほど、観てもらうための方策・方法がじゅうぶんに練られることがないままに作品づくりが進行してまうことがあるのだ。

「これはたとえ長くつまらなく思えてもちゃんと観なければならない」と言われたら、観る前から身構えてしまう。そうなっては作品のメッセージを受け止めることは難しくなる。

これを「伝えたいことが重要であればあるほど相手に伝わりづらくなるデフレスパイラル」とでも名づけようか。

こうしたデフレスパイラルに陥っている作品はけっこう多い。

しかし「ブラックブック」にその心配は無用だ。

「ブラックブック」は戦時下を扱った作品でありながら、観客をひきつけて物語を観せつづける工夫と意欲にみなぎっているからだ。

燃える骸骨に萌える

「ゴーストライダー」

ニコラス・ケイジ主演とくれば観ないわけにはいかない。

ノリノリで観にいったのは公開してすぐだった。レビューを書こうとお思っていたが、自分が楽しみすぎてクールにレビューできそうもないのでしばらく頭の中に寝かせておいた。

だが、いくらたってもゴーストライダー熱は炎のように燃えあがる一方なので、サラッと気軽にコメントしておこうと思う。

燃える骸骨がハーレーに乗って悪を成敗！

そう聞いただけでもぉ最高ぉー☆と思った方は最高に楽しめる作品だ。

コミックが原作ということで、深読みすればいろいろ深いのだろうけれど、またアメリカ映画史観とかそのあたりを掘り下げる要素は随所にいろいろありそうだが、そんなことはカッと飛ばして、ニコラス・ケイジが脚色したと思われるキャラクターの色付けを大口あけて笑って楽しめば吉幾三である。

色付けしたのはおそらく、主人公が「猿大好き」なところ。

なぜかニコラス・ケイジ演じる主人公はテレビに猿が映っていると、ほんとうに楽しそうな顔をして画面に夢中になる。

そんな、なんだか意味はよぅわからんが思わずニヤリとしてしまう味付けをさせたらニコラス・ケイジは天下一武道会優勝だ（なんじゃそりゃ）。

作品の見どころは、高層ビルの外壁を垂直に上方向にバイクで登ってい
き、屋上でヘリコプターと綱引き。それが終わったら屋上からバイクで飛び出してポーズ！　――と、ふたたびビルの外壁を真下に下りていくシーンだ。

もちろんこのとき、バイクの運転者の頭は炎に包まれた骸骨だ。

そのシーンを観てみたいとちょっぴりでも思ったなら、アナタはこの作品と相性がいいにちがいない。

こんな作品を観ると、アメリカ人はほんとうに一匹狼のアウトローが活躍するヒーローものが好きなんだなぁと思う。

細かい仕草にまで配慮して笑いを取ろうと、ニコラス・ケイジがめっちゃ楽しんで演じているんだなぁと思わずにはいられない「ゴーストライダー」。

敵キャラが意外とあっさり倒れていくのもお約束のご愛嬌。

カウボーイとバイカーの併走シーンは、映画ファンには嬉涙ものだろう。

第79回アカデミー賞 菊地凛子さん受賞ならず

第79回アカデミー賞が発表されました。

「バベル」で助演女優賞にノミネートされていた菊地凛子さんは受賞ならず。

助演女優賞は「ドリームガールズ」のジェニファー・ハドソンさんでした。

また「硫黄島からの手紙」は音響編集賞のみの受賞。

そして今回は、やっとマーティン・スコセッシ監督が「ディパーテッド」で監督賞を受賞、ほか作品賞、脚色賞、編集賞と計４部門を受賞しました。

関連記事

▼バビルの塔に住んでいるのは？

▼「硫黄島からの手紙（Letters From Iwo Jima)」作品レビュー

邦画ヒット常連の原動力はアノ若手人気女優？

邦画のシェアが洋画を上回ったとか。２１年ぶり。

2006年の邦画ヒット作って？

▼邦画

1位「ゲド戦記」　76.5億円　東宝

2位「LIMIT OF LOVE／海猿」　71億円　東宝

3位「THE 有頂天ホテル」　60.8億円　東宝

おぉ！　東宝が独占ですね。

「THE 有頂天ホテル」はどうかわかりませんが（未見）、１位と２位の両作品は、物語構成や演出の面からいうとイマイチ。

ゲドは学生の習作かのようで、話題性だけですね。

▼　『「ゲド戦記」で露呈か！ジブリの悲劇！？－宮崎駿作品群の「ムラ」のワケ－』

映画の海猿はありえない設定が多くて思わず笑っちゃいます。
でも、海猿の原作はすばらしいです。映画→ドラマ→映画というサンドイッチ型で集客した手法は成功しましたね。

▼「LIMIT OF LOVE 海猿」作品レビュー

ちなみに邦画の１０位までのうち、８本が東宝です。「NANA2」は予想より大幅にヒットしなかった東宝ですが、東宝シンデレラガールの長澤まさみさんがいますから、しばらくは勢いがありそうですね。

▼　「『NANA』と『下妻物語』（+「R2-D2」）に共通する大ヒットの秘密とは？」

いつの日か、内容がしっかり伴った邦画が上位を占めるようになってほしいナ。